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This month : Lumière !

Lumière !
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Le cinéma, c'est l’écriture moderne dont l’encre est la lumière.
Jean Cocteau

En mai, LaCinetek met en lumière le métier de chef-opérateur. Conçue avec la précieuse collaboration des directrices de la photographie Caroline Champetier et Claire Mathon, cette sélection rend hommage à l’art de l’image : de la lumière solaire aux éclairages électriques, du noir et blanc photographique aux riches palettes picturales, des quêtes naturalistes à celles fondées sur l’artifice, elle donne à voir toute la diversité des approches et des sensibilités.

Un couvent se dresse sur les contreforts de l’Himalaya. C’est dans un spectaculaire Népal de studio qu’évolue le drame religieux du Narcisse Noir (1946). Un espace ouvert à l’onirisme, rêvé par les maîtres britanniques du Technicolor : le chef-opérateur Jack Cardiff et le duo de réalisateurs, Michael Powell et Emeric Pressburger. Leur style pictural, allié aux décors truqués (par matte painting, peinture sur verre) a été récompensé d’un double oscar, pour la meilleure photographie et les meilleurs décors. 

Parmi les pionniers de l’image se distingue le « titi parisien » Léonce-Henri Burel, avec près de 150 films à son actif. Ses faits d’armes remontent à son inventif duo auprès d’Abel Gance. Premier chef-opérateur crédité à un générique en 1918 (à 25 ans), il transforme le métier en art. Trente ans plus tard, il accompagnera Robert Bresson sur quatre de ses plus grands films et façonnera avec lui son style épuré, parmi lesquels l’inimitable et ciselé Pickpocket (1959). 

« Je veux peindre la pellicule comme on peint une toile ; je veux inventer des relations entre les couleurs et non me contenter de photographier les couleurs naturelles. » Avec Le Désert rouge (1964), Michelangelo Antonioni et Carlo Di Palma ouvrent un nouveau chapitre de l’histoire du cinéma, portant à l’écran la couleur moderne des sentiments. Les paysages de l’Italie industrielle deviennent une surface picturale, à la fois abstraite et « matiériste ». Une toile de fond hypnotique où se projette l’intériorité de Monica Vitti. 

Un arc électrique, les visages incandescents de Liv Ullmann et Bibi Andersson, l’ombre d’une main levée comme pour une incantation. Nous sommes dans Persona (1966) de Ingmar Bergman, sous la lumière du Nord de Sven Nykvist, complice du cinéaste sur 13 de ses films. 

Comment penser cette sélection sans « Lhomme à la caméra ». Pierre Lhomme, opérateur de Marker, Duras, Rappeneau… s’allie à Jean-Pierre Melville sur L’Armée des ombres (1969). Pour exposer la période sombre de l’Occupation française, ils plongent Lino Ventura et Simone Signoret dans un monde tout en nuances de gris et de bleu, entre chien et loup. 

Autre magicien de la lumière naturelle, Néstor Almendros a magnifié le cinéma d’Eric Rohmer, de François Truffaut puis de Terrence Malick (pour Les Moissons du ciel). Dans La Marquise d’O... (1976), drame du siècle des Lumières habité par l’esprit de Vermeer et du Cauchemar de Füssli, Edith Clever et Bruno Ganz hantent une maison vieille de deux cents ans, dont l’architecte avait agencé les pièces en fonction du mouvement du soleil. 

Almendros avait éclairé la diaphane Isabelle Adjani dans L’Histoire d’Adèle H. On retrouve son noble incarnat, sur fond de guerres renaissantes, dans La Reine Margot (1994) de Patrice Chéreau. L’image de Philippe Rousselot puise ses inspirations dans la peinture hollandaise du XVIIème, mais aussi dans les compositions charnelles de Goya, Bacon ou Géricault. Une gamme de trois couleurs - le noir protestant et endeuillé, le rouge catholique et sanglant, le blanc des nus et des défunts - orchestre cet opéra funèbre et sensuel. 

C’est une approche toute autre qui guide le cinéaste lituanien Sharunas Bartas, signant l’image de son propre film Few of Us (1996). Il observe le paysage infini et sévère des Sayanes, dans les monts du sud de la Sibérie, où survit une tribu nomade. Un voyage musical dénudé, sans dialogue, qui fait le juste portrait d’un peuple qui s’éteint, en pratiquant l’art de l’estompe. 

Si Sharunas choisit la distance, la caméra entre dans l’œil du cyclone chez Claire Denis. L’image d’Agnès Godard, son alliée de toujours, nous ouvre à un monde de textures et de sensations. Dans Beau travail (2000, César de la meilleure photographie), des légionnaires performent des rites martiaux dans les minéraux de Djibouti, sous un soleil aveuglant, ou s’adonnent à la danse sous les spotlights des night-clubs (hallucinant Denis Lavant). 

C’est aussi le monde de la nuit, ses éclairages aux néons, volutes de fumées, et matières réfléchissantes qui fait de Millennium Mambo (2001), une expérience sensorielle puissante. Le cinéaste taïwanais Hou Hsiao-hsien et son chef-opérateur attitré Mark Lee Ping-bin (aussi collaborateur de Wong Kar-wai pour In The Mood for Love) produisent un objet hypnotique et voluptueux, usant de filtres, effets de flou, ralentis, et plans-séquences pour restituer l’univers où évolue la fascinante Shu Qi et la turbulente jeunesse de Taipei. 

10 films, comme autant d’hommages à 10 immenses directeurs et directrices de la photographie qui ont marqué l’histoire du cinéma.
 

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The selection of the month

    Caroline Champetier

    Caroline Champetier à propos de Few of us de Sharunas Bartas

     

    et Claire Mathon à propos de L'Armée des ombres de Jean-Pierre Melville

    Claire Mathon

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